viernes, 17 de noviembre de 2017

CLASE 13 - 17 / 11 / 2017 Nuevo cine latinoamericano de los ´60

Preguntas al pasado para responder al presente

Sobre una investigación de los autores:  DIS. Patricio Hernández y Lic. Ariadna García Rivello


Las distintas corrientes estéticas que se han presentado a lo largo de la historia, generalmente surgen como respuesta a hechos sociales que se desarrollan en ese momento, empapando a los artistas en toda su creación.
Con el fin de la Segunda Guerra Mundial aparecieron, en distintos países, estéticas que se alejaron del modelo hegemónico de la época: el cine de géneros producido en Hollywood.

Así como la devastación provocada por la Primera Guerra Mundial generó estéticas muy marcadas, como el expresionismo alemán, una de las reacciones estéticas frente a la Segunda Guerra fue Neorrealismo Italiano. Este movimiento surge como respuesta de los artistas que padecen la posguerra con distintos objetivos: por un lado, reflejar la cruel realidad a partir de una cruda utilización de los diferentes recursos cinematográficos; por otro lado, utilizar elementos que surgieran como alternativa ante la imposibilidad de disponer de recursos económicos y técnicos para filmar.
En los años 50, en Latinoamérica, lentamente comenzaron a surgir nuevas estéticas, pero en este caso no como respuesta a la desolación producida por una guerra, sino como reacción ante el avance del Liberalismo y la Globalización.
La penetración de Estados Unidos en Latinoamérica se hacía cada vez más flagrante  no sólo desde lo político y lo económico, sino también desde lo estético, generando producciones que nada tenían que ver con el país de origen, que respondían a cánones impuestos desde afuera.
Esta situación de no–identidad, sumada a los graves problemas sociales que padecían las clases bajas, fue haciéndose consciente  en varios artistas que propusieron un cambio.


Estas propuestas adoptaron formas diversas, pero desde puntos de partida bastante similares. Un punto de origen fue el ya mencionado Neorrealismo Italiano, especialmente la escuela documental de Zavattini, en la cual estudiaron varios de los exponentes del cine Latinoamericano de los 50 (el argentino Fernando Birri, o los cubanos Tomás Gutiérrez Alea y Julio García Espinosa). 
Otro centro de formación fue el I.D.H.E.C. (Centro de altos estudios cinematográficos, de París, donde el brasileño Nelson Pereira dos Santos se formó como director).
El propio Pereira dos Santos explica lo que el Neorrealismo significó para estas cinematografías alternativas, y para la suya propia:
“Quiero mostrar, sin retoque, sin mistificaciones, al Brasil y al mundo, que nuestro pueblo existe. Procuro hacer films que reflejen y preserven la tradición cultural brasileña” “Sin el neorrealismo nunca habríamos empezado, y creo que ningún país de economía cinematográfica débil, podría, sin ese precedente, haberse reflejado en el cine. El modelo neorrealista inspiró en su época a otros países en vías de desarrollo como la India, varios países de África, de América Latina e incluso el Canadá”(1).

Estos realizadores fueron la base, el cimiento, para el futuro Nuevo Cine Latinoamericano: Fernando Birri fundador de la Escuela de Cine del Litoral, en Santa Fe, haciendo films como “Tire Die” (1956-58); Nelson Pereira dos Santos, denominado el padre del Cinema Novo brasileño, realizador de “Río, 40 grados” (1955); Tomás Gutiérrez Alea y Julio García Espinosa, con la realización de films como “El mégano” (1955), previos a la revolución Castrista del 59.




Ya en los años 60 comienzan a surgir propuestas más definidas, que no son sólo ejemplos aislados. 

El grupo Ukamau, con Jorge Sanjinés a la cabeza, en Bolivia; el Cinema Novo, con Glauber Rocha como su teórico más importante, en Brasil; los cinestas chilenos con representantes como Miguel Littin; Tomás Gutiérrez Alea y Julio García Espinosa como directores del ICAIC, en Cuba; el grupo Cine de la Base con Raymundo Gleyzer como su máximo exponente; y el Grupo Cine Liberación con Fernando Ezequiel Solanas y Octavio Getino, en Argentina.
Estos grupos de cineastas de los diferentes países, más allá de las características que los emparentaban, generaron propuestas estéticas propias, que se diferenciaban de las demás. Un recurso utilizado en este cine de los 60 fue la valorización del pasado, de la historia, como elemento para explicar el presente.
A la manera del cine detectivesco, que presenta la resolución de los hechos al comienzo del film para luego hacer un viaje al pasado buscando las causas de la fatalidad de ese destino imposible de modificar, estos cineastas proponían una recuperación del pasado pero para intentar entender o modificar el presente.
El objetivo era común en todos ellos: la búsqueda de nuestra identidad.
El presente trabajo hará, entonces, un recorrido, por una serie de films paradigmáticos de distintas propuestas cinematográficas latinoamericanas, que responden a la siguiente estructura:
  • presentar una realidad dada;
  •  recorrer el pasado, para brindar al espectador herramientas que le permitan establecer juicios propios;
  • retornar a la realidad primigenia planteando un posible desenlace, dejando abierta la puerta a la reflexión del espectador.

Preguntarnos en la actualidad acerca de aquellas propuestas puede darnos pautas para buscar alternativas frente al agravamiento de las políticas de exclusión y globalización. Consideramos que aquella época, donde una serie de discursos estéticos coinciden, casi espontáneamente, en la búsqueda de cambios sociales, es un referente insoslayable a la hora de plantear políticas culturales de integración regional, en el plano de lo cultural, así como el MERCOSUR lo está siendo desde el plano de lo económico.

Bolivia

Denuncia desde el sistema.

En este país se destaca la presencia del GrupoUkamau (nombre que surge del título de su primer film, del año1966, que en lengua aymará significa: así son las cosas) como representante de este movimiento de los años 60.
A través de esta película se pone de manifiesto la historia real sucedida en Bolivia donde una comunidad indígena recibe atención médica de una agencia estadounidense “Cuerpo del Progreso” (en realidad fue Peace Corps). Esta agencia se encargó de esterilizar a las mujeres indígenas sin su consentimiento ni conocimiento. Además de esta historia en particular sobre el control de los cuerpos en base a una lógica colonialista y patriarcal, esta película muestra toda una matriz de dominación que se pone en marcha en la colonización. Como muestra de ello, este film, inicia con una cita de James Donner en una conferencia en el Instituto Tecnológico de California:

“El habitante de una nación desarrollada no se identifica con el hambriento de la India o Brasil. Vemos a esa gente como una raza o especie distinta y en realidad lo son. Idearemos, antes de cien años, métodos apropiados para deshacernos de ellos. Son simplemente animales -diremos- constituyen una verdadera enfermedad. Resultado: las naciones ricas y fuertes, devorarán a las pobres y débiles”.


Ejemplo paradigmático: “Yawar Mallku (Sangre de Cóndor)” (1968), de Jorge Sanjinés.
Este film fue filmado en el altiplano y la ciudad, con los integrantes de la población Kaata y actores profesionales. Relata la historia de las acciones llevadas a cabo por los cuerpos de paz estadounidenses,  la reacción de la población al enterarse de los actos que estos perpetraban y el posterior castigo que reciben por haberse rebelado al sistema.

Desde una enigmática situación inicial en la que Ignacio le reclama a Paulina, su mujer, por sus hijos, y la posterior balacera que éste recibe a manos de un gendarme, comenzamos un recorrido en busca de ayuda médica que nos va mostrando las desestimaciones por parte de los habitantes de la ciudad para con los aborígenes. Sixto es el hermano de Ignacio que vive en la ciudad, el cual quiere desprenderse de su condición de individuo perteneciente a la población Kaata. En su búsqueda de ayuda en las diferentes instituciones de salud, en la cual no deja de encontrarse con dificultades, le pregunta a Paulina por las causas que llevaron a esta situación. Es en este momento cuando el film retorna al pasado para ponernos al tanto de lo sucedido, pero sin dejar de tener vueltas al presente, mostrando la interacción entre lo que pasó, lo que pasa y la relación entre ellos.

En estos flashbacks vemos cómo los cuerpos de paz estadounidenses intentan ganar la confianza de la tribu mediante regalos (por ejemplo, ropas usadas ajenas a las vestimentas tradicionales de la comunidad) y la obligación a aceptarlos que les imponían los gendarmes. Estos cuerpos de paz se presentaban como personas solidarias que prestaban su ayuda desinteresadamente, pero en realidad esterilizaban a las mujeres sin el consentimiento de éstas cuando asistían sus partos. Mediante rituales de la Madre Coca e investigaciones por parte de Ignacio, la población descubre las acciones de estos cuerpos de paz y los castiga aplicándoles la misma mecánica utilizada para con ellos.
El recorrido que hace Sixto en busca de ayuda, encontrándose con la mayor indiferencia y  desprecio que termina con la muerte de su hermano, más el conocimiento de lo sucedido en su población natal, hace que retorne a su lugar de origen, a sus raíces, a luchar por sus derechos, su identidad, finalizando el film con una imagen congelada de los aborígenes con las armas en alto.

La estética desde la que está planteado este film opone continuamente lo autóctono a lo extranjero, poniendo en evidencia dos puntos de vista, dos miradas diferentes. La música que identifica a cada uno de los integrantes del film tiene que ver con el lugar que ocupa en la sociedad: mientras que los cuerpos de paz están graficados con música extranjera, las acciones de la población Kaata están puntuadas con sonidos autóctonos. Es hacia el final del film cuando esta oposición se hace más presente, dado que ante la proximidad del ajusticiamiento a los médicos por parte de los habitantes de la tribu, los dos tipos de música se van oponiendo junto con una aceleración del montaje, mezclándose los sonidos.

Esta diferenciación entre culturas también se evidencia entre la presencia de lo ritual por parte de los habitantes de la tribu y la desestimación que hacen de esto las autoridades científicas en la ciudad (“...hay que desplazar al hechicero emplumado por el científico...” dicen mientras agasajan a médicos extranjeros en las mansiones de la aristocracia boliviana) o bien cuando los extranjeros no comprenden la negativa por parte de Paulina a venderles una canasta completa de huevos, otorgándole mas importancia a llevarlos al mercado de la comunidad (a riesgo de no venderlos).

Otro tema presente es la cuestión idiomática, en donde tres idiomas están presentes: el quechua, el castellano y el inglés. Esta diversidad de idiomas lleva a la incomunicación y es utilizado por los aristócratas para poder hablar en frente de Sixto sin que éste se entere de lo que están diciendo.
La estructura de la que hablábamos se podría definir en este caso de la siguiente manera:
  • ataque a Ignacio y pedido de ayuda en la ciudad;
  • puesta en evidencia de las causas de los hechos e indiferencia por parte de las instituciones médicas;
  • muerte de Ignacio y regreso de Sixto, revalorando su identidad.
Este caso tiene la particularidad de denunciar un hecho -aprobado por el gobierno de turno- que estaba sucediendo en el país: las esterilizaciones a mujeres practicadas por los cuerpos de paz norteamericanos, hecho del cual la sociedad no estaba al tanto.
Estas esterilizaciones tenían por finalidad el exterminio de toda una etnia imposibilitando su procreación; etnia que por otra parte se caracteriza por haber soportado los distintos tipos de invasiones desde los Incas hasta esta parte.
La denuncia fue hecha a través de un film estrenado comercialmente, con apoyo del Estado cuyas repercusiones fueron notorias: la sociedad indignada condenó dichas prácticas, y la presión ejercida por ella culminó con la expulsión de los cuerpos de paz del país.



Entre 1946 y 1948 Estados Unidos llevó a cabo experimentos humanos en Guatemala


Brasil

Un cine que no desestime al espectador

En Brasil se generó un movimiento llamado Cinema Novo, a partir de los postulados estéticos de Nelson Pereira dos Santos y Glauber Rocha.


Ejemplo paradigmático: “Tierra en transe” (1967), de Glauber Rocha.
El film relata la historia de Paulo Martins, un intelectual brasilero que se debate entre propuestas políticas antagónicas, intentando encontrar una identidad del pueblo.
Esta búsqueda por parte del personaje se desarrolla entre profundas contradicciones, que surgen como consecuencia del constante preguntar que tiene Paulo para con las situaciones en las que está inmerso.

La estructura del film se desarrolla con una situación inicial de caos en la que Paulo reclama a Vieira (uno de los representantes políticos entre los que bascula) por un accionar más acorde con las promesas efectuadas durante la campaña.
Paulo es atacado por policías enviados por Porfirio Díaz (el otro líder político referente) mientras viaja en auto, y luego de esto el film nos transporta hacia el pasado, con sólo una vuelta al presente para reforzar que lo sucesos que se ven en pantalla durante casi todo el film son hechos anteriores al desenlace.

Este desarrollo del pasado de Paulo evidencia profundas contradicciones en los hechos en los que se ve inmerso, mostrando el lugar desempeñado por los intelectuales de la época, a los cuales les resultaba imposible discernir entre la veracidad o la falsedad de las propuestas planteadas por cada aspirante al poder.

Los dos líderes entre los que Paulo se encuentra fluctuando son Porfirio Díaz, líder conservador y Vieira, popular. Estos líderes son mostrados en sus campañas electorales desde lugares antagónicos, tanto en la propuesta ideológica, como en el tratamiento estético que se hace de cada uno de ellos: mientras que Porfirio Díaz aparece solo, en lugares de difícil acceso, portando estandartes de diferentes instituciones: una cruz, una bandera negra -que lo emparentan con los símbolos del fascismo- y vestido de negro; Vieira está constantemente acompañado de muchas personas, entre ellos representantes de las diferentes instituciones, fumando y vestido de blanco.

La imposibilidad de Paulo de definirse plenamente en su postura está presente en las características estéticas del film: utilización de cámara en mano, reflejando la inestabilidad de las situaciones; travellings circulares que descubren a los personajes desde todos los puntos, sin detenerse especialmente en ninguno, ante la imposibilidad de encontrar una referencia, una perspectiva más abarcativa; un sonido agobiante que refuerza las imágenes (tambores, sirenas, ametralladoras),  junto con elementos sonoros pertenecientes a orígenes culturales contradictorios utilizados simultáneamente -canto aborigen con música de cello- implicando la relación dominado- dominante.

El film también evidencia el lugar que ocupan los medios en la sociedad, en donde Paulo realiza un film desprestigiando la figura de Porfirio Díaz, encargado por el entorno de Vieira y solventado por la EXPLINT (explotadora internacional), mostrando la presencia de multinacionales en toda Latinoamérica, las cuales están presentes en las decisiones importantes del país.
La estructura de la que hablábamos se podría definir en este caso de la siguiente manera:
  • Renuncia de Vieira (populista) causada por presiones políticas de Porfirio Díaz (reaccionario y fascista);
  • llegada de Vieira al poder gracias a los aportes de Paulo; contradicciones de este último frente a las opciones políticas del país;
  • caída de Paulo producto de su fluctuación e indefinición ideológica.
Glauber Rocha plantea un cine que no tome al espectador como alguien a quien cuidar, no acepta un cine paternalista. Genera, entonces, una propuesta estética diferente, complejizando el discurso hasta altos niveles.
El resultado de esta propuesta es, en parte, que el público al que se dirigía este cine, al que había que despertar, le resultaba imposible decodificar el mensaje del director.






Cuba

Un caso particular.
La mayor parte de la producción cinematográfica cubana se produjo a partir de la llegada de Fidel Castro al poder. Hasta ese momento poca era la importancia dada a este arte, y la reducida industria estaba destinada a la producción de pornografía. A partir de 1959, el cine será tenido en cuenta como herramienta política y pedagógica.

Caso paradigmático: “Las aventuras de Juan Quin Quin” (1968), de Julio García Espinosa.

La película comienza a la manera de un Western, con la imagen de unos revolucionarios que cabalgan entre las montañas y que se preparan, seguramente, para dar batalla. Acto seguido vemos que los representantes del poder político y armado quieren deshacerse de Juan Quin Quin. La metodología es extremadamente violenta, y estéticamente, a través de la inserción de imágenes de guerra y bombardeos, se exageran los medios para hacer desaparecer a la figura del revolucionario. Retorno al pasado, a través de un cartel que nos interna en la vida de Juan Quin Quin en períodos de paz, período en que pasa por distintas actividades laborales: monaguillo, torero o cirquero. Hasta que conoce a Teresa, con quien decide organizar una vida familiar. La cuestión no es fácil, dejar una vida nómade y desordenada, económicamente inestable,  para establecer su propia producción cafetalera, junto a su amigo Jachero. Llegan a un acuerdo con el apoderado de las tierras, pero éste los traiciona cuando las tierras están listas para comenzar a ser cultivables. Este acontecimiento termina de decantar, en los personajes, la conciencia de que, sin medidas de mayor fuerza, no será posible que el pueblo deje de ser explotado y engañado por sus dirigentes. Juan Quin Quin y Jachero deciden, finalmente, devenir guerrilleros apoyando el proceso revolucionario. El film termina con un documental, enseñándonos la técnica para tomar armas de un cuartel, y su ulterior puesta en práctica.

Los realizadores se permiten tomar elementos de todo lo conocido para generar su estética particular, una estética en la que aparecen elementos del western (un comienzo mostrando a los protagonista a caballo, héroes aventureros), de comedia romántica, del documental, del cómic, apelando a recursos reconocidos por el espectador y resignificándolos con  su propuesta propia.
La estructura de la que hablábamos se podría definir en este caso de la siguiente manera:
  • Actividades de grupos guerrilleros;
  • Intentos frustrados de inserción laboral de un individuo; traición de los apoderados de las tierras aliados con el poder militar y apoyados por potencias extranjeras (EEUU)
  • Decisión de pasar a formar parte de la lucha revolucionaria.
Lo que diferencia particularmente el caso cubano del resto de las propuestas es el lugar desde el que plantean las realizaciones. Mientras que en el resto de los países se produce una lucha desigual contra el sistema, en este caso, su lugar es el de portadores del discurso oficial de su país. Pero el discurso oficial de este país se emparenta con las posturas de los realizadores de los demás países, desde los postulados revolucionarios del pensamiento de izquierda.

De todas maneras podemos ver cómo antes de la revolución las posturas iban por el mismo camino, tomando como ejemplo “El mégano” (1955), de Espinosa y Gutiérrez Alea, film censurado por la dictadura de Batista, y realizado tomando elementos estéticos del Neorrealismo Italiano.


POR UN CINE IMPERFECTO

POR UN CINE IMPERFECTO VENTICINCO AÑOS DESPUES.

La nueva ola del cine latinoamericano


¿Hacia dónde va el cine latinoamericano?


Palabras finales para reabrir el diálogo.

Todas estas posturas éticas tienen en común un intento de recuperar las identidades nacionales mediante un empleo estético del lenguaje cinematográfico diferente del uso hegemónico.

En el plano de lo ético estos discursos coinciden en generar un impacto en el espectador que lo induzca a reaccionar, a no tolerar la opresión a la que están sometidos sus pueblos. Esto implica hacer un recorrido mediante el cual el realizador y el espectador reconozcan su condición de “formados por el discurso burgués” y por ende la necesidad de desandar ese camino, “matando al colonizador que llevamos dentro”(3).
La aparición de estas nuevas estéticas no es inmediatamente aceptada por el espectador, sino que genera, en un primer momento, un rechazo. Este es el comienzo del recorrido hacia la descolonización del gusto, con el objeto de llegar a una estética que refleje la identidad de la región Latinoamericana.
Mediante la recuperación del pasado velado por la cultura oficial ofrecen una explicación alternativa que justifica la situación presente. Este presente es entendido ya sea como la Gran Historia (“La hora de los hornos”), como la pequeña historia (“El chacal de Nahuel Toro”) o como la pequeña historia como símbolo de cambio en la Gran Historia (“Sangre de Cóndor”, “Las aventuras de Juan Quin Quin”, “Tierra en transe”).
Nosotros consideramos que la Educación es parte del camino de la liberación del individuo, puesto que le brinda herramientas para reflexionar y comprender el mundo que lo rodea sin ser una víctima inconsciente del sistema.
La postura de cada uno de los realizadores tomó caminos diferentes. Algunos de ellos plantearon sus alternativas al sistema desde el sistema mismo, como es el caso de Jorge Sanjinés en Bolivia, el de Miguel Littin en Chile y el de Glauber Rocha en Brasil (postura que motivó que tuvieran que posteriormente exiliarse del país a causa de los cambios políticos), otros se vieron obligados a exponer sus postulados en circuitos clandestinos, como es el caso de Solanas y Getino en Argentina; finalmente está también el caso cubano, respondiendo al oficialismo con fines didácticos, informando al espectador de los postulados de la revolución.
Estas posturas coinciden en no aceptar el aplauso europeo porque eso implica reproducir sus postulados estéticos y por ende éticos.

Actualmente, nuestras pantallas están invadidas de películas cuyo origen predominante es norteamericano. El acostumbramiento a ciertos mensajes, ritmos visuales, efectos auditivos, es una forma de transmisión de ideología y también una forma de educación del gusto. Pero una educación que se presenta involuntaria, que hace al individuo más permeable frente a cierto tipo de discursos.
Para finalizar reproducimos el aspecto de la propuesta de García Espinosa donde plantea que el verdadero arte es el que realiza el pueblo, arte que permite a su vez que el pueblo se realice como individuo; que el arte sea un elemento más dentro de las actividades de la vida cotidiana. “…que el arte no va a desaparecer en la nada. Va a desaparecer en el todo…”(4).

viernes, 10 de noviembre de 2017

TERCERA EVALUACIÓN TRABAJO ESCRITO GRUPAL (Entrega 17 / 11 / 2017)

TERCERA EVALUACIÓN  
TRABAJO ESCRITO GRUPAL  (Entrega 17 / 11 / 2017)
Grupos de no mas de 4 alumnos

Tematica:
 "La construcción del relato de la historia en el cine de ciencia ficción latinoamericana" 

¿Qué visión de la historia hay en el cine? En "El acorazado Potemkin" Eisenstein inventó un motín de leyenda, mezclando hechos reales y episodios inventados. En "Espartaco", Stanley Kubrick hace hablar a los patricios con acento de Oxford y a los esclavos con acento norteamericano. Salvo raras excepciones, las películas sobre la Revolución francesa muestran casi siempre el punto de vista contrarrevolucionario. En los westerns, los indios pasaron en pocas décadas del papel de agresores al de víctimas. Los obreros nunca hacen huelgas en las películas francesas anteriores a 1968... Y, sin embargo, qué papel tan importante desempeña el cine en nuestra comprensión de la historia... Reflejo de la sociedad, el cine también es un soporte ideológico, propagandístico.
de: "El cine una visión de la Historia" Autor: Marc Ferro -2008- Ediciones AKAL

·         Objetivos:  Que los alumnos puedan dilucidar, articular y comprender la ideología que se encuentra detrás de los films de ciencia ficción latinoamericanos y de cinematografías perisféricas.

·         Consignas de desarrollo: Investigación y análisis crítico

BIOGRAFÍA ORIENTADORA: 


Zizek - Oda a la Alegría (Subtitulado)


Herramientas para realizar los trabajos prácticos

Modelo de análisis 
Instructivo

El modelo de análisis que vamos a utilizar para trabajar con los textos fílmicos contempla las siguientes instancias de elaboración:
  • Ficha técnica
  • Sinopsis
  • División en secuencias
  • Decoupage
  • Descripción de los recursos formales
  • Hipótesis
  • Validación
  • Conclusión
FICHA TÉCNICA
Consiste en brindar datos que permitan ubicar a la película en un primer contexto de creación.
Los datos mínimos con los que debe contar son:
  • Nacionalidad del film
  • Año de estreno
  • Director
  • Productor y/o estudio (por ejemplo, si tenemos el nombre del productor y además sabemos que fue de Argentina Sono Film, lo ponemos)
Luego pueden venir datos como actores principales (sobre todo, si estamos hablando de texto estrella), y directores de área (fotografía, arte, etc)
Como opción, se puede agregar algún dato que a criterio del analista resulte adecuado para su trabajo posterior.

SINOPSIS
Debe describir lo que sucede en la película mediante acciones, sin juicios de valor.
Como extensión estándar proponemos media carilla. En todos los casos la sinopsis debe contar introducción, nudo y desenlace.

DIVISIÓN EN SECUENCIAS
No existe una cantidad standard de secuencias, de manera que cada alumno puede englobar las acciones de la forma en que desee. Intentaremos, de todas maneras, no sobrepasar las 15 secuencias. Lo importante es que tenga un criterio unificado. Una buena forma de descubrir ese criterio, y verificar si la división se está realizando bien, es ponerle título a las secuencias.
Por ejemplo:
Secuencia 5: “Amor en la selva”
Desde que Esteban Podelei y Andrea se besan hasta que ella es asesinada por su padre, el doctor.

Titular las secuencias, además, ayuda a descubrir desde qué punto de vista estamos mirando la obra. ¿Le estamos prestando más atención a lo melodramático, a la denuncia social, o al argumento liso y llano? (por nombrar ejemplos) Podríamos, inclusive, titular secuencias desde algún recurso formal, como por ejemplo, el montaje. En películas como “El Viaje” (de F. Solanas) o “La mujer del puerto” (de A. Ripstein), las películas están ya divididas en secuencias claramente delimitadas por montaje y demás recursos.
La secuencia incluirá la primera escena de la misma y la última, sin redactar todo lo que ocurre en el medio. 

DECOUPAGE
El mejor ejemplo está en el libro de Marino, Alfredo: "Cine argentino y Latinoamericano, una mirada crítica” Ed. Nobuko, 2004. Allí se analiza plano por plano la película “Perdón viejita”.
El decoupage consiste en numerar cada plano y describir: encuadre, altura de cámara, angulación, movimiento (el zoom se considera movimiento) fotografía, sonido, etc. Y por supuesto, la mínima descripción de lo que ocurre en dicho plano.
Por ejemplo: “Esperanza y Teresa caminan por la vereda”.
El decoupage es una técnica muy exhaustiva y se puede utilizar para descomponer alguna escena o secuencia clave en el análisis posterior.

DESCRIPCIÓN DE LOS RECURSOS FORMALES
En este punto describiremos los recursos formales de la película al mayor grado de detalle posible.
Se dividirán en: Montaje, Cámara, Iluminación o Fotografía, Sonido (incluyendo música, FX, diálogos, foley) y Arte sólo como rubro opcional. Veremos más adelante porqué.
El objetivo es “despegarnos” del argumento y realizar una descripción lo más objetiva que se pueda. Sabemos que la objetividad en estas lides no existe, pero intentaremos acercarnos. El fomento del vocabulario técnico es otro pilar de este punto.
Por ejemplo, evitaremos expresiones tales como “la música en determinada secuencia es lúgubre, dando una sensación de terror”. En todo caso, “la música en determinada secuencia es atonal, con predominancia de graves y ataques de violín que van in crescendo hacia el final de la escena”.
Este es el nivel de detalle al que apuntamos.  ¿Cuánto se debe redactar en este punto? Sugerimos una carilla por recurso.  En este sentido, la técnica del decoupage resulta de gran utilidad.
Por este motivo el rubro Arte se pone como opcional. Al incluir una gran cantidad de sub-rubros (vestuario, maquillaje, utilería, utilería de acción, decorados, exteriores…) se vuelve mucho más extenso que los demás. En todo caso, si hay algún elemento de Arte que necesitemos para la validación, podemos mencionarlo en la misma de manera puntual.
Se aconseja recurrir al lenguaje técnico aprendido en otras materias. Evitemos términos como “luz quemada”, utilicemos el vocabulario que corresponde (iluminación sobreexpuesta)

HIPÓTESIS
La redacción de la hipótesis supone un punto de vista original y único del alumno/analista sobre el film.
La idea es apoyarse en los recursos formales y no en el argumento para redactarla. También podemos apoyarnos en teorías cinematográficas trabajadas y en el contexto de realización del film.
Evitaremos decir que “el director piensa o expone tal o cual cosa”. No sabemos, en realidad, qué quiso decir o exponer el director/a: lo que nos importa es qué tiene el alumno para decir sobre la película. Su visión acerca de la obra es la materia prima con la que trabajamos en la materia. 
Por lo tanto, a la hora de redactar la hipótesis, una ecuación podría ser:

En la película X, del director/a Y, observamos la cosa Z. 
Podemos usar el verbo observamos o cualquier otro que se considere adecuado. Es sólo un ejemplo. Lo importante es que la película no plantea, nosotros observamos
La hipótesis debe ser exclusiva de la película. ¿Cómo podemos darnos cuenta de esto? Tratando de aplicarla a cualquier otro film.

Si escribimos algo como “Kilómetro 111, de Mario Soffici, demuestra que las adolescentes jamás se entenderán con sus padres”, también podríamos decir que “Un argentino en Nueva York, de Juan José Jusid, demuestra que las adolescentes jamás se entenderán con sus padres”.

Es un ejemplo muy banal y simple, pero sirve para entender 1) porqué la hipótesis no debe ser generalista 2) por qué no debe basarse exclusivamente en el argumento.
Si basamos la hipótesis exclusivamente en lo argumental, tendremos grandes chances de escribir algo muy general. Por ello insistimos en el anclaje con los recursos formales, con la teoría, con el contexto.

VALIDACIÓN
Tal como el nombre lo indica, la validación trata de explicar y justificar la hipótesis anteriormente redactada. La redacción es libre y tan extensa como el analista lo requiera. Aquí se echa mano a todo lo analizado anteriormente: ficha técnica, secuencias, sinopsis, recursos formales…también podemos apoyarnos en teorías, en el contexto de producción y en cualquier otro dato que sea necesario.
Los diferentes apartados del trabajo pueden ser útiles para la hipótesis, para ir más allá del argumento. Desde los datos de producción (uno de los puntos más olvidados), por dar un ejemplo: que el año, el diseñador de arte o la dirección de actores, etc. pueden abrir un amplio abanico de posibilidades para el abordaje analítico.

CONCLUSIÓN
La conclusión son uno o dos párrafos no muy extensos, en donde se termina de redondear el trabajo de análisis. Sería “el punto final”. Se puede añadir algún comentario que no haya tenido lugar en la validación, aunque en general, intentaremos no plantear ideas radicalmente nuevas – porque estaríamos dando lugar a un nuevo análisis del filme en lugar de cerrar el que ya hemos hecho.

LISTA DE PELÍCULAS PROPUESTAS


YO SOY OTRO (2002) película Colombiana de ciencia ficción estrenada en el año 2008. Protagonizada por Héctor García y dirigida por Óscar Campo.


Últimas imágenes del naufragio es una película argentina-española dramática de 1989 escrita y dirigida por Eliseo Subiela 


La sonámbula, recuerdos del futuro, también conocida simplemente como La sonámbula, es una película argentina de ciencia ficción de 1998 dirigida por Fernando Spiner. El guion fue escrito por Fernando Spiner y Ricardo Piglia.


KRYPTONITA (2015) adaptación de la exitosa novela de Leonardo Oyola. Dirigida por Nicanor Loreti


 ZENITRAM de Luís Barone del 2009, una adaptación de  el cuento homónimo de Juan Sasturain.


Sector 9. (2009). Neill Blomkamp. Sudafricana-Neozelandesa
La antena. Esteban Sapir (2007) Argentina


La antena  (2007) escrita y dirigida por Esteban Sapir 



lunes, 6 de noviembre de 2017

CLASE 12 - 10 / 11 / 2017 La Ciencia Ficción y la identidad Latinoamericana.

La Ciencia Ficción y la identidad Latinoamericana.

Que hace diferente la ciencia ficción latinoamericana de la del resto del mundo?.

Los problemas de identidad latinoamericanos, van a ser importante para toda la ciencia ficción que se va creando, porque la ciencia ficción en Latinoamérica está buscando su raíz, a pesar que habla de una tecnología del primer mundo.

La Ciencia ficción latinoamericana busca hablar de su ciudad, su país con sus similitudes y diferencias sin problemas de fronteras, sin que suene que al hablar es un relato extranjero del que solo se latiniza o ubica en territorio latinoamericano, como se hizo en las décadas del ´40 o ´50.

Plantearemos las siguientes premisas como brújula para este recorrido:

“La ciencia ficción sirve para plantear los viejos enigmas de siempre sin las restricciones de otros géneros”
“Lo que mejor describe la ciencia ficción, no son los monstruos ni las máquinas, sino a nosotros mismos, y nos dice cómo puede coexistir la humanidad y la tecnología. Todas las historias, tratan de personas y de  la condición humana, es el fondo de la historia lo que  emociona y no la tecnología”.
"la Ciencia Ficción latinoamericana se centró sobre el hombre, la política y las ideologías”

El Eternauta. 
El Eternauta es reconocido como una de las historietas de ciencia ficción mas importantes de la Argentina. debe su prestigio al relato inteligente e intrigante, lleno de metáforas sutiles sobre lo político y lo social, héroes involuntarios ante una realidad que los reclama, una resistencia colectiva a la opresión y mucho ingenio técnico, con una mirada muy particular sobre el futuro.


El Eternauta. Huellas de una Invasion.

El La primera edición, escrita por Hector Germán Oesterheld (1917 - 1977) se publicó entre 1957 y 1959, trata sobre la historia del mismo autor y Juan Salvo, quien se ha convertido en El Eternauta llegando hasta la silla de quien años después sería el guionista de la historieta, para contarle los sucesos que lo derivaron en su conversión en el Viajero de la Eternidad (de ahí su nombre) en busca de su familia a través del "azar de los continum". 
La historia nos transporta al Buenos Aires de 1963 y a una nieve mortal que toma a Juan Salvo, su familia, amigos y al resto de la humanidad por rehenes y que los convierte en responsables de su destino. 


La historieta El Eternauta retrata una Buenos Aires apocalíptica en la que su población, sobreviviente a una nevada tóxica, debe resistir un ataque extraterrestre. El guionista de historietas Héctor Germán Oesterheld exploró temáticas como la guerra, la política, el heroísmo y el sacrificio a través del cómic y, en series posteriores como “El Eternauta Parte II“, la historieta cobra un tono notablemente más politizado. 

Osterheld comenzó a tomar un papel dentro de la narrativa del cómic y el Eternauta se convirtió en una alegoría de la Argentina contemporánea y una dura crítica a la dictadura militar del momento. 

En 1977 Osterheld desapareció y sus cuatro hijas le siguieron un año después. Junto con decenas de miles de argentinos desaparecidos durante ese período conocido como “la guerra sucia“, fueron secuestrados, asesinados y su paradero es desconocido. 


Fragmento de "SUR" de Pino Solanas

“El Nestornauta”, la transformación de un icono cultural en un símbolo político

A finales de agosto de 2010, las paredes de Buenos Aires amanecieron con llamativos carteles convocando a un mitin en apoyo a la presidenta Cristina Fernández,diciendo: "Néstor le habla a la juventud"  donde se podía descubrir su mirada bajo la máscara de buceo.



Néstor Kirchner personificando al Eternauta es un claro tributo a su labor como dirigente que rescató a una Argentina en crisis. Pero esa imagen envuelve también otro tributo que alude al rol activo que el ex Presidente tomó con respecto a juzgar a los responsables de la dictadura. 

La derogación de las leyes “Punto Final“ y “Obediencia Debida“ durante su gobierno pusieron fin al perdón y las protecciones que prevenían que los represores fueran enjuiciados y castigados. Sin embargo encontramos una triste ironía en el hecho que Oesterheld retrata a las fuerzas alienígenas en El Eternauta como criaturas nobles sujetas a las órdenes de comandantes despiadados. Simplemente podemos especular dónde el autor marcaría el límite de la responsabilidad de aquellos que ordenaron, ejecutaron y llevaron a cabo las desapariciones de miles de personas.



Después de sostener que El Eternauta "definitivamente no entrará" a las escuelas porteñas y luego desdecirse y admitir que se confundió con El Nestornauta, el entonces jefe del gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Mauricio Macri, recibió la respuesta de Elsa, la viuda de Héctor Oesterheld, el creador de la historieta. Emitido por Visión Siete, noticiero de la TV Pública el lunes 27 de agosto de 2012.

Qué es la Ciencia Ficción?

Umberto Eco considera  que a la Ciencia Ficción como una narrativa  de conjetura, basada en una hipótesis (QUE PASARÍA SI…),  lo que se traduce en un juego científico de mundos estructuralmente posibles.

ESTA ARGUMENTACIÓN LLEVA A DIFERENTES CAMINOS:

Alotopíaconstruye un mundo diferente, en un futuro o pasado lejano, con progresos que no se relacionan con los contemporáneos..


Utopía: modelo de cómo debería ser el mundo real, representado por una sociedad ideal


UcroníaEs novela histórica alternativa a partir de un punto en el pasado en el que algún acontecimiento sucedió de forma diferente a como lo ha hecho en realidad.
Se pregunta cómo serían las cosas, si tal fenómeno no hubiera ocurrido. Es especulativo.


Metatopía representa una fase futura del contexto real presente, historias de anticipación.



Metacrónico, define cuando un evento está separado de otro evento por un lapso de tiempo, meses o años.



Género que nació con la Revolución Industrial

La revolución industrial del XIXcon el auge de las máquinas comenzó a  especular con la evolución de la humanidad y las consecuencias de los descubrimientos científicos. (1800/20)

las historias pioneras del género las realizaron escritores como Mery Schelly con Frankenstein o el Moderno Prometeo, publicada en 1818. Explorando temas como la moral científica, la creación y destrucción de vida, y la tecnología intentando competir con Dios.
La rebelión de la criatura contra su creador (y sus allegados) es un claro mensaje de los males que derivan del uso irresponsable de la tecnología y las consecuencias imprevistas de su uso. 
Julio Verne con sus descripciones sobre máquinas que no habían sido inventadas aún, asombró con su precisión. Eran famosos sus cálculos para los viajes espaciales, ya que tuvieron muchísima exactitud, algo inimaginable para su tiempo.
Fueron famosas sus obras como : ‘El viaje al centro de la Tierra’ (1864), ‘De la tierra a la Luna’(1865) , ‘Veinte Mil Leguas de viaje submarino’(1869/70), ‘La vuelta al mundo en 80 Días’(1872). 
H: G: Well con La máquina del Tiempo: primera ficción en la que se aplicó la ciencia a los viajes temporales.
La isla del doctor Moreau: (1896) Un científico entregado a la demencial tarea de transformar bestias salvajes en hombres.
El hombre invisible: científico poseído por sus obsesiones, instauran la figura del mad doctor
La Guerra de los Mundos: (1898) Da vuelta a la situación: si hasta entonces el hombre era el sumo conquistador del cosmos, ahora nuestros vecinos marcianos  son quienes nos invaden, hasta que las bacterias segaban sus sueños de conquista. 

Arqueología cinematográfica del Género
época de magia y trucos visuales, donde la ciencia ficción no se denominaba como tal, eran ROMANCES CIENTÍFICOS.


Georges Méliès Viaje a la luna (Voyage Dans La Lune) 1902 Color



El hotel electrico Segundo de Chomon, 1905

El término 
«ciencia ficción» 
fue acuñado en 1926 por Hugo Gernsback cuando lo incorporó a la portada de una de las revistas de narrativa especulativa más conocidas de los años 1920 en Estados UnidosAmazing Stories










Es en los ´20 donde el género se esparce en todas las cinematografías. 
Aelita, la reina de Marte (Yákov Protazanov, 1924) tiene el honor de ser la primera película de ciencia-ficción soviética, y que lleva la revolución obrera a Marte. 


Aelita, reina de Marte (1924, Yakov Protazanov) sub español - película completa

Metrópolis es una película muda alemana de 1927 realizada por la productora UFA. Una trama distópica urbana futurista filmada por Fritz Lang. La historia tiene lugar en el año 2000 y muestra dos clases sociales diferenciadas: la clase obrera, que vive sometida bajo la superficie, y la clase alta, siempre ociosa, en la superficie. 


Metrópolis (1927) sub español

No  es de  H. G. Wells, reconocido socialista, declarara que: "es la película mas ridícula que se haya rodado jamás", y en 1936 le responderá a Fritz Lang con una visión más optimista del papel de la ciencia en el futuro con la película La Vida Futura.

En cualquier caso, la estética de la película es fascinante y ha tenido una enorme influencia posterior. Uno de los mejores ejemplos es el célebre video de Queen, Radio Gaga, todo un homenaje. 


En octubre de 1924 André Breton presenta su Manifiesto Surrealista. Cuando el Expresionismotoca a su fin en Alemania, en Francia el Surrealismo causa sensación.

René Claire rueda París dormido (1925) próximo a los presupuestos surrealistas o dadaistas. Una moraleja que trata de demostrar que en una nueva sociedad, con nuevas oportunidades, en la que los individuos disfruten de total libertad, no es necesariamente mejor que el sistema al que ha sustituido, regido por estrictas reglas, leyes y convenciones sociales. E mensaje socio-político: Anarquía vs. Sociedad Capitalista.


René Clair Paris qui dort (1925)

Jean Renoir, lleva a cabo un pequeño acercamiento a la ciencia ficción en Charleston (1927). Fue una película inacabada en la que un sabio procedente de otro planeta llegaba al nuestro tras ese cataclismo final que se convertirá en un tema recurrente en el género.
Se lo considera un ensayo de antropología inverso, un burlesque y vodevil surrealista, se puede interpretar como una crítica del contexto racial de Francia, entonces en su apogeo de su imperio colonial.


Charleston Parade (Sur Un Air De Charleston, 1927) - Jean Renoir

La Mujer en la Luna (1929 Fritz Lang)

En el libro "El cine de Fritz Lang" de Alfred Eibel (Ed. Era - 1968- Mexico DF) comenta: "En 1936/37, la gestapo se apoderó de todas las copias y las destruyó porque en ellas había cohetes y rampas de lanzamiento semejantes a las que fueron experimentadas secretamente durante la segunda guerra mundial para la realización de la V.2"
Sucedió que Hermann Oberth -guionista del film- y otros colaboradores que trabajaron para Lang eran científicos que habían sido colaboradores del programa de investigación del gobierno alemán para la elaboración de cohetes.

Otra anécdota atribuye a Lang la invención de la, ahora habitual, "cuenta atrás". El director señalaba: "Si empezamos a contar a partir de uno, no sabemos cuando terminar. Pero si empezamos de diez hacia atrás, todos sabrán que la cuenta acabará en cero. Eso da un dramatismo inusitado a la situación".


CUENTA ATRÁS


La Mujer en la Luna - Película Subtitulada (Fritz Lang, 1929)

LA SCI-FI EN LOS ´30  - LA LLEGADA DEL SONIDO - las UTOPÍAS
“Una Fantasía del Porvenir”(“Just Imagine” -1930). Parodia Musical situada en 1980
La década de los 30 se inició con otra visión de la sociedad futura, en formato musical, titulado Just Imagine, o 1980 (Una fantasía del porvenir), protagonizada por una joven Maureen O’Sullivan. Los decorados de este film fueron profusamente utilizados en los seriales de "Flash Gordon" y "Burk Rogers"

“Una Fantasía del Porvenir”(“Just Imagine” -1930).

H. G. Wells “La vida Futura” o“The Shape of Things to Come” - 1936
En Inglaterra Willams Cameron Menzies filma en 1936 "La vida Futura", basada en la novela de Wells publicada tres años antes. 
La narración comienza en la Navidad de 1940 en la ciudad de Everytow (Todas las ciudades). Mientras la gente está feliz , los periódicos vaticinan la guerra que se declara esa noche. la misma durará 26 años destruyendo la mitad de la humanidad. De este escenario apocalíptico surge John Cabal, un aviador e ingeniero que  acabará con la guerra creando una nueva sociedad depositaria del saber científico que destruirá a los cabecillas de las tribus en guerra para construir una utopía donde el hombre viva en paz y progreso.

H. G. Wells “La vida Futura” o“The Shape of Things to Come” - 1936

LOS SERIALES
Heredero del folletín, tuvo su época de mayor auge entre 1935 y 1945, si bien en la época del cine mudo ya existía. Y las "pulp" (se refiere al desecho de pulpa de madera con la que se fabricaba un papel amarillento de mala calidad en que se imprimían estas historias) pusieron en órbita la ciencia ficción como género literario. "Flash Gordon" y "Burk Rogers", "El Capitán Marvel" fueron los pioneros.

Buck Rogers 1934
Buck Rogers es un personaje de ciencia ficción, que apareció por primera vez en 1928 como Anthony Rogers. Héroe de dos novelas escritas por Philip Francis Nowlan publicadas en la revista "Amazing Stories" (historias asombrosas), es más conocido por convertirse en la primera de las historietas de ciencia ficción, tras su publicación como tira de prensa.
Buck Rogers tuvo el valor de introducir a los medios masivos el concepto de exploración espacial, siguiendo los pasos de pioneros literarios, como por ejemplo H. G. Wells.

Flash Gordon (serial 1936) La invasión de Mongo (cap 1 de 13) sub. español

Captain America: 1944 Serial - #1
Los ´40 - Nuevas propuestas a temas ya existentes
Durante los años ´40 escasean las películas de ciencia ficción. Es la época de los Cyclopes y los Doctores locos. 
Dr. Cyclops, dirigida por Ernest B. Schoedsack para la Paramont en 1940, una vez más nos encontramos con un sabio enloquecido en su pasión por la ciencia, primera realización en Technicolor. Es por su tamaño y no porque tenga un único ojo, instalado en un rincón de la jungla peruana, el doctor Alexander Torkel (Albert Dekker) es visitado por un grupo de colegas estadounidenses, cuando sus huéspedes empiezan a saber demasiado de sus experimentos, Torkel los miniaturiza valiéndose de su poderoso condensador de radio.


En los ´40 a falta de nuevos temas, se buscan nuevas alternativas a propuestas ya existentes. Se filman secuelas de Frankenstein y de El hombre invisible.
Cuatro años después de La novia de Frankenstein, llega a la pantalla la segunda bajo el título de La sombra de Frankenstein (Rowland W. Lee, 1939), en ella el último hijo del científico: Wolf  Frankenstein (Basil Sathbone) vuelve a la propiedad familiar para encontrarse con la hostilidad de los lugareños y el empeño de Ygor (Bella Lugosi), aún fiel a su antiguo amo, en que el joven doctor retome los experimentos de su padre.

El fantasma de Frankenstein (Erle C. Kenton, 1941), es la continuación del título anterior de la serie. Cuando las masas populares tratan de tomar el castillo desde donde Ygor (Lugosi) los atemoriza, el jorobado descubre que el monstruo no murió en el ácido sulfúrico donde, supuestamente, expiró en la entrega anterior.

Frankenstein y el Hombre Lobo (Roy William Nelly, 1943), Larry Talbot (Lon haney Jr.) –el desdichado que carga con la maldición de la licantropía- y Maleva (Maria Oupenskaya) –la única persona que le comprende- llegan a las ruinas del castillo de Frankenstein para descubrir que el doctor falleció tiempo atrás. Allí solo queda su monstruo (Bella Lugosi) congelado y ciego. No pasará mucho tiempo antes de que Elsa Frankenstein (Ilona Massey) una desendiente del doctor también dedicada a la ciencia, se ofrezca para librar a Talbot de su estigma.


NACEN LOS OVNIS

Los “hongos” de las bombas lanzadas sobre Hiroshima y Nagasaki se convierten en los dos íconos más temidos del momento, a nivel popular se pone en marcha un interés por la ciencia inusitado hasta ese momento, surge la “Divulgación Científica”.

La radiactividad – cuyos efectos, según se comenta, durará decenas de años- preocupa a todo el mundo. El Movimiento Mundial de la Paz,que preside el sabio Frédéric Joliot-Curie, lanza el Llamado de Estocolmo por la proscripción de la Bomba Atómica, que se convierte en una campaña masiva mundial. Logra reunir en su apoyo cerca de 300 millones de firmas. 
  

Es entonces cuando, de tanto mirar al cielo por si atacaban los rusos, se empiezan a ver los primeros “platos voladores”. En realidad el bautismo de con ese nombre a las naves no identificadas, se debe a Kenneth Arnoldun piloto privado de Boise, Idaho que contempló el que está considerado como el primer avistamiento de un ovni en los Estados Unidos, el 24 de junio de 1947, mientras se encontraba buscando una aeronave militar extraviada a bordo de un CallAir A-2. Describió los objetos como sumamente brillantes por el reflejo de la luz solar, con un vuelo errático "volaban erráticamente, como un plato lanzado al agua”, y con una "tremenda velocidad",  los objetos "tenían forma de platillos y eran tan delgados que difícilmente podía verlos". Así fue como la sigla O.V.N.I. se empezó a usar para refereirse a los objetos voladores no identificados. 

LOS ´50 LA EDAD DORADA - BAJO EL SIGNO DEL ÁTOMO Y LA GUERRA FRÍA.

INVASIÓN DESDE EL PLANETA ROJO

Para Estados Unidos, el comunismo soviético quería poner fin al mundo capitalista de idéntica manera que los extraterrestres querían aniquilar la raza humana.

“¡Vigilad el cielo!”, decía claramente Scotty (Douglas Spencer), el periodista de (Christian Nyby y Howard Hawks, 1951), que manda al resto de la tierra las crónicas del terrible hallazgo habido en la base polar estadounidense.
Desde que los rusos terminaron su primera bomba atómica en 1949, todo el mundo era consciente de que un conflicto con esta clase de armamento significaría el fin de la Humanidad.


El Enigma De Otro Mundo - ¡Vigilad el cielo!

La paranoia colectiva, ese convencimiento generalizado de que había comunistas hasta debajo de la cama, dio carta blanca a un personaje nefasto: el senador McCarthy. La inquisición maccarthysta, fue la que impulsó la edad de oro de la ciencia ficción, puesta en marcha por una industria que vivía bajo esa paranoia.


Cuando todo el mundo temía ser acusado de comunista por un compañero, se concibieron las mejores invasiones procedentes del Planeta Rojo de toda la historia del cine.

LAS INVASIONES ALIENÍGENAS


Perciwal Lowellfue un rico aficionado a la astronomía convencido de que existían canales de origen artificial en Marte. Lo hizo después de haber escrutado su superficie con un potentísimo telescopio que mandó construir a tal efecto. En sus observaciones, puestas en marcha para "demostrar" la existencia de los canales descubiertos en 1877 por el astrónomo italiano Giovanni Schiaparelli, que aparentemente surcaban la superficie de Marte, Lowell creyó ver un trazado ordenado de canales que lo llevó a concluir que en el planeta desértico, funcionaban diversas sociedades hidrográficas para la gestión del agua en sus oasis. 


Final de "La Invasión de los Ladrones de Cuerpos"

En 1952, cuando Byron Haskin filma la La Guerra de los mundos, Marte, además de ser la alegoría por excelencia del Kremlin, era el enemigo por excelencia del espacio exterior, mientras la Luna y los selenitas, siempre según nuestros mitos colectivos, no son necesariamente perversos, los marcianos, sí.


LA GUERRA DE LOS MUNDOS Trailer Original de 1953


LAS MUTACIONES

Miedo a escala mundial tras los estragos de la Segunda Guerra Mundial y sub-género favorito del cine de ciencia-ficción durante la práctica totalidad de los años 50, los horribles resultados del abuso de la energía nuclear provocaron un alud de producciones del cine de monstruos que, en la mayoría de ocasiones, tiraban por el recurso fácil de tomar algún insecto, multiplicar su volumen por diez, y convertirlo así en una amenaza impensable a la que un pueblo, ciudad o país tenía que hacer frente.


El Increíble Hombre Menguante -Trailer en Español


Godzilla (1954)

Los años ´60 – El esplendor y la madurez 

En los primeros años de la década del ´60 surge la designación de nueva ola para señalar, premonitoriamente, los formidables cambios que aquel tiempo introdujo en el cine, pero también en la literatura, la música y la moda.

Los franceses acuñaron el término Nouvelle Vague y el mundo entero se hizo cargo del mismo.
Hay autores que sostienen que una de las pruebas de cambio radical que vive el género de la ciencia ficción en los años ´60 es el triunfo de la space opera.


Pero en realidad en este período se dio una sola: 2001: una odisea del espacio además si ignoramos su prólogo, esa impresionante secuencia de los simios, están localizadas en la Tierra. Ninguna de las grandes películas de la época están localizadas en los espacios interplanetarios o interestelares donde, según la tradición, se localizan las space operas.



El pueblo de los malditos: los niños hacen de las suyas

El pueblo de los malditos (Wolf Rilla, 1960), basada en "Los cuchillos de Midwich", novela original de John Wyndham , uno de los grandes maestros de la edad de oro de la ciencia ficción, publicada en 1957, varias veces adaptada, en todas las verciones, Midwich es un pueblo donde la vida se detiene durante seis horas. Durante el desmayo que sufren sus habitantes, varias vecinas quedan embarazadas. Hijos de una tripulación extraterrestre, los niños que alumbran sus vientres son pequeños extraños, se convierten en los primeros infantes perversos de la historia del cine. Los niños de Midwich constituyen el retrato más sombrío de la infancia que ha dado la gran pantalla.
En 1963, la Hamer nos ofrece un film basado en una novela de H. L. Lawrence, con amplia referencia al cine de Rock & Roll como fondo, se trata de Estos son los condenados, un grupo de niños confinados en una cueva donde son utilizados como ratas de laboratorio por un médico y su novia, quienes están empeñados en ver los efectos de la radiactividad en la infancia y hallar así un remedio para los más pequeños cuando se produzca el holocausto nuclear.

LA CIENCIA FICCIÓN EN HITCHCOCK Y LA NOUVELLE VAGUE


La Jetée (Chris Marker, 1962)

En los ´60 el género empieza a interesar a los grandes cineastas. 
La referencia a Kubrick y 2001: una odisea del espacio se hace inevitable, y hasta el mismísimo Alfred Hitchcock aborda la ciencia ficción en Los pájaros (1963) 

Los pájaros (1963) de Alfred Hitchcock

La Jetée (Chris Marker, 1962), su director la definió como una "fotonovela", dado que se trata de una sucesión de fotografías fijas, este cortometraje refiere a una historia apocalíptica. En ella, la imagen de una mujer queda grabada en la memoria de un muchacho que logra sobrevivir al holocausto atómico para ser hecho prisionero por un grupo de científicos en el París devastado por la explosión nuclear. 
Como se ve, la trama alude de lleno a las preocupaciones de la época -la Guerra Fría atravesaba uno de sus peores momentos- y pone en marcha el interés por la ciencia ficción de los cineastas de la Nouvelle vague.
Doce monos (12 Monkeys en inglés en el original) es una película de ciencia-ficción dirigida porTerry Gilliam, inspirada en la película La Jetée (1962) de Chris Marker.
Protagonizada por Bruce Willis, Madeleine Stowe, Brad Pitt y Christopher Plummer. Luego de que Universal Studios adquiriera los derechos de autor para hacer una versión de La Jetée de mayor duración, se contrató a David y Janet Peoples para que escribieran el guion. Su trama describe la historia de un prisionero llamado James Cole (Bruce Willis) que, en un mundo postapocalíptico, se ofrece como voluntario para un experimento científico que tiene como finalidad viajar al pasado para saber qué provocó la situación en la que se vive en el futuro.


Francois Truffaut irrumpe en el género adaptando al Ray Bradbury de Fahrenheit 451 (1965). El título alude a la temperatura a la que arde el papel.
La única comunicación posible entre los pobladores de tan sombrío futuro es mediante imágenes. La letra impresa está tan fieramente perseguida que los bomberos, en lugar de apagar incendios se dedican a provocarlos siempre y cuando ardan libros en las piras.

El director de cine Alain Resnais, uno de los ilustres de la "Nouvelle vague" y autor de películas fundamentales de la historia del cine, cuenta en su haber realizaciones del género de ciencia ficción como El año pasado en Merienbad (1961), Je T'aime jeT'aime (1967), 
En Je T'aime jeT'aime, un hombre se ha prestado a viajar en el tiempo mediante una sensual máquina dispuesta al efecto y no puede alejarse de aquel momento que, en su viaje, le condujo a un intento de suicidio.
No en vano, la eficacia de la máquina en la que ha viajado al pasado deja mucho que desear. Escrita en colaboración con Jacques Sternberg, otro de esos grandes autores de ciencia ficción que colaboraron directamente con los cineastas, Resnais llevó a cabo una de las mejores películas de ciencia ficción de los años '60.

Los años ´70 – Sexo Psicodélico
Fuentes: Literario / orientalismo / hippismo / psicodelia

Barbarella (Roger Vadim 1968)


Zardoz (John Boorman 1974)

Los años 80-90-00 - las series “B” se transforman en clase “A”
las aventuras espaciales!!!



Star Wars (George Lucas 1977), E.T.el extraterrestre (Steven Spielberg 1982), Independence Day (Roland Emmerich 1996)



John Williams Across The Stars (Star Wars Episode II)


MUTACIONES DE UNA HISTORIA

La guerra de los mundos
(Acción 1904, Londres, Naves Meteoritos, "máquina guerrera",  gigantescos trípodes andantes metálicos de 30 metros de alto, Rayos Calóricos, Humo negro, hierbas rojas, los marcianos no tenían defensa alguna contra los virus y bacterias terrestres.)

Novela de ciencia ficción escrita por Herbert George Wells y publicada por primera vez en 1898, que describe una invasión marciana a la Tierra. Es la primera descripción conocida de una invasión alienígena de la Tierra. El libro fue interpretado como una crítica a las acciones coloniales en África, Asia y América. Europa siempre ha tenido una tecnología superior, lo cual ha otorgado a los europeos la condición de seres superiores, cuya misión era conquistar todos los países y pueblos. La verdadera intención del autor es, criticar los usos y costumbres de la sociedad victoriana. Para ello, Wells se vale de unos marcianos que aplastan la Inglaterra de finales del siglo XIX para denunciar las prácticas colonialistas de sus conciudadanos y la hipocresía de la sociedad victoriana.


La guerra de los mundos (1953)

Dirección: Byron Haskin (EEUU)
(Acción década del ´50, California, Naves Meteoritos, son máquinas levitantes, Rayo Calórico y Rayo Desintegrador, contraataque de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos arroja una bomba atómica sin éxito, los marcianos no tenían defensa alguna contra los virus y bacterias terrestres.En ningún momento aparece el humo negro, la hierba roja, )
El senador Joseph McCarthy contra Hollywood.
Macartismo grupos de derecha que desatan caza de brujas a los sectores de la izquierda.
Plena guerra fría. El cine como penetración ideológica.1947 comité de actividades antinorteamericanas.
“SI LOS COMUNISTAS ENTRABAN EN EEUU, LES PASARÍA LO MISMO, LOS MATARÍA LAS “BACTERIAS” DEL ESTILO DE VIDA NORTEAMERICANO, LA LIBERTAD , LA DEMOCRACIA , LOS DERECHOS INDIVIDUALES, ES DECIR EL ESPÍRITU DE LA “TIERRA DE LOS LIBRES” Y EL “HOGAR DE LOS BRAVOS”, ( están el himno norteamericano).



La guerra de los mundos (2005)
Dirección: Steven Spielberg.

(Acción en Nueva Jersey,  la tierra es desde siempre vigilada por extraterrestres de intenciones siniestras. Las naves trípode están enterradas en la tierra desde siempre)
En esta versión el COMUNISMO ya cayó, ya no se refiere a los MARCIANOS, sino a un ENEMIGO OCULTO en EEUU. ¿Qué es este enemigo oculto?. A partir del 9/11, Sepriembre de 2001, los norteamericanos empiezan a pensar que el enemigo está adentro, el FUNDAMENTALISMO ISLÁMICO, ha tenido importantes CÓMPLICES dentro de EEUU.
Donde estaban esos cómplices, y aquí surge la teoría de DONALD H. RUMSFELD de las “CÉLULAS DORMIDAS” que se desarrollaban en el corazón de EEUU. “LOS MARCIANOS YA NO VIENEN DEL EXTERIOR, PORQUE ESTÁN ADENTRO”. En esta versión los Marcianos no vienen de afuera sino que surgen de adentro de la tierra. ESLA TEORÍA DEL ENEMIGO INTERNO, NOS CARACTERIZA A TODOS COMO POSIBLES ENEMIGOS INTERNOS.
Entonces hay un enemigo externo, el fundamentalismo islámico, terrorista al que EEUU le declara la guerra, pero hay un enemigo interno que colabora con ese enemigo externo. De esta manera EEUU se convierte en un país VIGILADO y recordemos la Novela de George Orwell: “1984”, donde el GRAN HERMANO” es aquel que vigila a todos, donde el estado sabe dónde está cada ciudadano en cada momento. Recordemos la propaganda de la dictadura: ¿USTED SABE DONDE ESTA SU HIJO AHORA?, eso es una sociedad vigilada.
Estos regímenes que buscan la CAZA DEL ENEMIGO INTERIOR, fomentan la DELACIÓN del DIFERENTE, no solo del que PIENSA DISTINTO, VIVE DISTINTO y que para algunos poderes pone en peligro la Nación.
EL TERROR NO ESPECIFICA LAS CAUSAS DE LA CULPABILIDAD, EL ESTADO TOTALITARIO NO TIPIFICA LA CULPA, Y AL NO HACERLO, SOMOS TODOS CULPABLES 

Temáticas de la ciencia ficción latinoamericana


Siguiendo la línea de pensamiento del escrito del colombiano  Rodrigo Bastidas, este  habla de la noción de literatura de la ciencia ficción en latinoamericana y de cuatro ejes temáticos principales que él considera que aparecen en ella.

1- LAS UCRONIAS POLÍTICAS
"América Latina es una nación inacabada", comenta la película de Pino Solanas y Octavio Getino (La Hora de los Hornos - 1968) donde los procesos democráticos viven truncándose por eso la necesidad de reescribir la democracia, y la preocupación por retomar la historia política / ideológica, por el “que pasaría si…”)



SYNCO, Teaser 2010

SYNCO es un extracto de un proyecto realizado por el director Chileno Nicolás López, basado en la novela del mismo nombre escrita por Jorge Baradit, que trata de el proyecto mas ambicioso del Gobierno de Salvador Allende, y que es SYNCO, fue un proyecto real que fue desarrollado entre 1971 y 1973 por el británico Stafford Beer y Fernando Flores que tenía como objetivo crear una red de telecomunicaciones entre órganos estatales que de realizarse --se canceló debido al golpe de estado-- habría sido un antecedente para la internet. 


M.A.M.O.N. - Latinos VS. Donald Trump cortometraje

M.A.M.O.N. (Monitor Against Mexicans Over Nationwide) es un cortometraje satírico de ciencia ficción y fantasía que explora a través del humor negro y los efectos especiales, las hilarantes consecuencias del plan de Donald Trump de expulsar a los inmigrantes de Estados Unidos y construir un enorme muro fronterizo.
En plan de comedia negra se desarrolla una desopilante batalla entre un Donald Trump robot mecha conducido por el propio Trump, y un montón de personajes estereotipicos.
La lucha espectacular involucra armas extrañas, rivales hilarantes y clichés de la cultura latina y mexicana, como ser la quinceañera, el quetzalcoatl, la lucha libre, el mariachi, el chapulín colorado, etc.
M.A.M.O.N. es parte del proyecto Wecanfxit, nuevo emprendimiento de la compañía productora uruguaya Aparato. 

2-SOBREVIVIENDO AL APOCALIPSIS

El FIN como fin de las civilizaciones.

El problema es el fin de la civilización, no necesariamente la falta de agua, combustible, alimento, energía. Es un fin de la civilización que parte de las palabras, que hace que se caigan las relaciones sociales.

Cali, Colombia, año de 2002. José González, un ingeniero de sistemas de edad mediana, descubre en su piel las señales de la litomiasis, un extraño y mortal mal que, según informes de los medios, ha llegado a la ciudad desde la selva amazónica.



Película YO SOY OTRO (2002)

En Ultimas imágenes del Naufragio, las repercusiones apocalíptica son síntomas del trauma y la alegoría de la dictadura, el recupero de la memoria colectiva y la identidad.


Los elegidos (Últimas imágenes del naufragio).

Últimas imágenes del naufragio es una película argentina-española dramática de 1989 escrita y dirigida por Eliseo Subiela La película relata la historia de Roberto, un vendedor de seguros, ya maduro, que siempre ha soñado con escribir una gran novela. Roberto conoce a Estela, una joven con tendencias suicidas, y piensa que ella puede ser su "Informe sobre Estela". La película es una metáfora del hundimiento de la sociedad argentina rodada en plena crisis hiperinflacionaria de 1989.


Trailer LA SONÁMBULA (1998)

La sonámbula, recuerdos del futuro, también conocida simplemente como La sonámbula, es una película argentina de ciencia ficción de 1998 dirigida por Fernando Spiner. El guion fue escrito por Fernando Spiner y Ricardo Piglia.

SINOPSIS Corre el año 2010 en una Argentina ucrónica, y es el Bicentenario de la Revolución de Mayo. Durante ese año, el gobierno realiza pruebas experimentales con una nueva sustancia química. Pero ocurre un accidente, por el cual la gente pierde la memoria, y con ella su identidad.
Una joven, Eva Rey (Sofía Viruboff) es uno de esas personas y se cree por las autoridades para ser la clave de esta extraña situación. Ella también piensa para unirse al grupo subversivo de Gorrión (Gastón Pauls). A Eva se le permite salir de la instalación experimental que ha estado tratando, pero ella está acompañada de Ariel (Eusebio Poncela). En lugar de espiar a Eva, Ariel comienza a enamorarse de ella.

3 - Mash- Up, la invención al Homo Sampler.

Se conoce como Mash-up a la mezcla de dos o más temas en uno solo. Empezó como una moda musical, pero también ha sido trasladada al cine.
El mashup es un género musical que consiste en la creación de un nuevo tema mediante la combinación de fragmentos (loops), instrumentos concretos, pistas vocales (a cappellas) y pistas instrumentales a cachitos o enteras de otros temas anteriormente ya realizados por otros.

Mash-Up - Fanky/Uptown Funk - Charly Garcia/Bruno Mars

Homo Sampler (Eloy Fernández Porta) , Samplear no es la misma canción sino que uno la modifica. Los vínculos entre géneros florecen.



Tiempo de Valientes: El payaso Plin Plin y el Feliz cumpleaños son la misma canción. El propio payaso explica porqué compuso esta canción en http://www.payasoplin.wordpress.com

Comenta el escritor cubano Erick Mota: "Al hablar de ciencia ficción en Cuba, podemos hablar de dos tendencias generales: una que es común en el género en español que es imitativa, la ciencia ficción se creó en inglés, las pautas las crearon los norteamericanos y los ingleses, nosotros infelices autores del tercer mundo, no somos digno de improvisar nada, dado que todo ya está inventado, (primera vía), otra vía es luchar por ser originales y separarse de lo que ya está hecho y simplemente crear, este camino entraña también peligro, puede estancar la creación artística, aveces hay que inspirarnos en lo que ya está hecho y probado".


Juan de los Muertos -DirAlejandro Brugués / Cuba 2012

50 años después de la Revolución Cubana, otra nueva Revolución llega a La Habana. Una misteriosa infección está convirtiendo a sus habitantes en muertos vivientes sedientos de carne humana.Juan, como buen cubano, decide montar un negocio para sacar partido de la situación: "Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos". Eliminando a los infectados, Juan y sus amigos comienzan a hacer fortuna. Sin embargo la situación se complica cada vez más. Nadie sabe de donde proviene la infección ni mucho menos cómo acabar con ella, mientras el gobiernocubano insiste en que son disidentes pagados por los Estados Unidos para acabar con la Revolución. Muy a su pesar, Juan se va a convertir en un nuevo héroe.


MASHUP - THEY LIVE (1988) y ANIMALES SUELTOS (2017) PARTE 1 - #YoApoyoENERC #ApoyoINCAA #DefiendoCineArgentino







MASHUP - THEY LIVE (1988) y ANIMALES SUELTOS (2017) PARTE 2 - #DefiendoCineArgentino

Una reacción extremadamente rápida la del Ministro de Cultura Avelluto, tras un informe televisivo plagado de errores en el que denunció de modo burdo y barato, la gestión del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales y su Escuela, la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica por sospechas de corrupción e irregularidades en su gestión. Informe que filtró una investigación que estaba circulando hace unos días en altas esferas. En el informe de TV no se reconocían a los funcionarios a través de las fotos que se mostraban, no se aclaraban sus cargos, Pablo Rovito, director del ENERC (por concurso en esta última etapa) era Cacetta y viceversa. El alquiler de las dependencias de CineColor para el funcionamiento de la CINAIN, Cinemateca Nacional cuyo arranque fue apoyado por la totalidad del mundo cinematográfico de unos meses a esta parte.
Los alumnos de la ENERC re interpretando la película de John Carpenter  ("Están Vivos" 1988), concientizan sobre su posición.


SINOPSIS: Un trabajador encuentra casualmente unas gafas que permiten ver a las personas tal y como son. Gracias a ellas descubrirá que importantes personajes de la vida política y social son en realidad extraterrestres. Durante su particular cruzada podrá observar cómo estos alienígenas han ido sembrando el mundo de mensajes subliminales con los que pretenden convertir a los hombres en una raza de esclavos.

4 -  LA MARGINALIDAD.Como centro y el centro como marginal.
Es un Mash-up que se pregunta que hubiera pasado si la nave de Superman caía en un pastizal del conurbano?
Visibilizar estos pequeños grupos urbanos marginales de los que no se hablaba antes por la literatura de ciencia ficción: la banda de Kryptonita o el basurero de Zenitram. Apuesta a modificar el orden social de las ciudades, se le da un valor importante a la cultura de barrio. 
Amplía la importancia al espacio marginal, como en el caso de Kryptonitaadaptación de la exitosa novela de Leonardo Oyola. Dirigida por Nicanor Loreti, o el film ZENITRAM de Luís Barone del 2009, una adaptación de  el cuento homónimo de Juan Sasturain.


KRYPTONITA (2015) - TRAILER #1 OFICIAL


La canción que cada uno tiene adentro | Leonardo Oyola | 
TEDxRiodelaPlata
una forma de explicarte el 
Mash-up


BIBLIOGRAFÍA AMPLIATORIA